16. La relación entre ESPECTADOR Y ARTISTA

Bienvenidos a mi gente bonitable, me gustarte un nuevo piso del podcast, estoy feliz de tenerte aquí de regreso conmigo porque el día de hoy tengo un tema bastante interesante y que todo surgió porque estuve revisando algunos episodios muy viejos que me gustaría retomar con otro giro, ¿no? Y creo que no he hablado como quisiera sobre la relación que existe entre el espectador y el artista, que creo que es uno de los aspectos más importantes cuando estamos hablando de arte, ¿no? El diálogo entre el artista y que no observa la obra, que es un lazo que sí nos puede parecer como sencillo a primera vista o que incluso no le demos una segunda pensada, pero sí creo que es un fenómeno sumamente complejo, que lo hemos visto como se ha transformado a través de los siglos, ha sido moldeado por diferentes aspectos cambios culturales tecnológicos, políticos, etcétera. Entonces quiero que se imaginen una escena en donde el artista, voy a empezar un poco sencillón para entrar como en esta imagen a la que quiero que todos estemos como situados, ¿no? Como el artista pasa días, meses incluso, años, algunos, que están creando una pieza, puede ser un cuadro, una escultura, performance, instalación, lo que sea y cómo durante ese proceso se están mezclando motivaciones personales, influencias históricas, obsesiones íntimas, estas ideas que vienen de la sociedad, pero la pieza terminada o no, lo que sea que significa terminado para nosotros, siempre va a permanecer incompleta hasta que aparece un espectador, ¿no? La persona que lo mira, cómo al mirarlo, cómo al interpretarla, incluso manipularla si es una instalación o lo que sea, le da un nuevo sentido, no importa si tu respuesta alentable ser como contacto con esta obra es de asombró, de desconfianza o de admiración, el acto de contemplar, de voltear a ver, de ir más allá, de cuestionar es justamente lo que hace que una obra se actualice y que cobre vigencia en cada mirada, creo que la experiencia artística, no es nada más contemplativa, o sea, implica un estar juntos en torno a la obra, es un espacio de intercambio constante, porque la artista tal vez no conozca personalmente aquí enves estar viendo su trabajo, pero entiende, consciente o inconscientemente que el espectador completa o cocrea un sentido, y es este vaivende ideas que se construye algo mucho más grande, que es como la obra trasciende las intenciones de la autorice abre a estas lecturas infinitas, porque que pasa cuando esta obra se coloca en un museo, que pasa cuando la obra está en la calle, o cuando está en un espacio virtual en redes sociales de la computadora, lo que sea, el espectador empieza a interpretar con base en el espacio en el que está, el espectador llega con sus propias vivencias, con sus prejuicios anelos, lo que busca en el arte, si le va a gustar o no, y esa partir de ese choque de realidad es que la obra pues no solamente se enriquece, pero empieza a mutar, ahora no me voy a ir al lado como un poco más filosófico de qué significa terminar una obra o si en realidad necesitamos un espectador como para que la obra cobre vida, no me voy a ir por ahí, que definitivamente lo podemos hablar en otro episodio, pero aquí quiero que hablemos como esta relación entre artista y espectador, no es un asunto trivial, implica que nos empezamos a cuestionar hasta qué punto el arte refleja o desafía nuestras expectativas sobre la belleza, sobre la política o la identidad, en un mundo en el que estamos cargado de imágenes instantánea sumamente rápidas, donde las redes sociales pues nada más lo que hacen es propiciar esta contemplación velos, y ni siquiera le llamaría contemplación, pero creo que es importante preguntarnos si nuestra atención puede capturar la densidad de las propuestas artísticas que hoy en día, tenemos tiempo o tenemos la disposición para ese instante meditativo que nos revelen esta dimensión humana que existe detrás de la obra, a veces siento que no, y aquí estoy hablándole pues a quien me escucha, no, entre nosotros, que tenemos el tiempo, que tenemos las ganas de voltear a ver el arte, porque entiendo que hay muchos elementos que considerar, pero y elegió ser interés un mundo de cosas que pues no voy a hablar el día de hoy, si no más bien quiero platicarlo a ti que me escuchas, no. El artista siempre ha sabido que no tiene control absoluto sobre lo que percibe el público y es en esa pérdida de control que está la magia del proceso creativo, porque a la abrirse a la recepción de cada persona, la obra empieza a tener estas diferentes existencias y experimentes de continuar renacer. El espectador lejos de ser una figura pasiva se va a convertir en un cómplice de la creación, porque sin tu respuesta, sin tu entusiasmo, sin la crítica o la indiferencia, no hay una verdadera comunicación. Entonces, podemos pensar el silencio, el silencio también es una forma de feedback de saber qué está sintiendo quien mira la obra, no necesariamente para una especie de validación, pero más bien de reconocimiento de tu como artista, voltear a ver que alguien está viendo tu pieza y que sepas nada más como qué emociones o qué sentir nace de él, porque para mí lo que me interesa subrayar de todo esto es que este vínculo, es un vínculo que trascende en medio de la sombro que nos provoca una pieza y nos olvidamos del verdadero potencial que tiene la participación colectiva y que se me hace fundamental cuando estamos hablando de arte o de historia del arte o del mercado del arte. El diálogo entre artista y espectador empiezan a través de discusiones filosóficas de cómo despertamos estas actitudes políticas, las ganas de resistir, de alzar la voz, generar catarse incluso o esta renovación emocional. El arte no es nada más oigan un objeto autónomo que uno contempla, el arte no es, ¿cómo lo puedo llamar? No es algo que existe en el mundo y ya es algo que nos interpella, porque hay un encuentro, hay tensión, hay la posibilidad de crear nuevos universos de sentido de manera conjunta, o sea, tú y el artista, lo conozcas o no, podemos irnos, ya saben que siempre trató hacer líneas del tiempo porque tenemos identificado muy bien como la relación tal vez que existe entre espectador y artista el día de hoy y lo tenemos, o sea, tenemos conocimiento al menos los que me escuchan y si escuchan seguido el podcast, estamos en la vida página, en la época medieval, en la época barroca, en los ismos, las vanguardias, cómo se va moldeando y eso es lo que me interesa siempre platican los episodios. Pero al menos si volteamos a ver en Europa medieval, como el arte se encontraba pues estrechamente entrelazado con esta práctica religiosa y el orden social, como las iglesias, los monasterios, las catedrales, todas eran estos centros de vida comunitaria y espiritual, por lo que no nos debe extrañar que pues las manifestaciones artísticas tuvieran esa finalidad específicamente devotional, estamos hablando de retablos, de frescos, de vitrales que no eran nada más ornamentos, eran funcionaban como estas herramientas didácticas, estos símbolos de fe y puentes hacia los sagrados, esto es bien importante. La iglesia tenía este rol egemonico, no solamente organizaba y regulaba la vida espiritual, pero tenía una enorme influencia en el ámbito cultural y en la economía local. Entonces bajo todas estas condiciones que estamos hablando, el artista, no era el artista que tenemos en mente el día de hoy, el artista en ese entonces trabajaba por encarbo dependiendo del financiamiento de obispos, de monasterios, de familias nobles que buscaban consagrarse espiritual y simbólicamente, no ganaban el dinero que nos imaginamos el día de hoy, eran simples artesanos, no eran artistas como lo que entendemos por la palabra el día de hoy, estos personas estaban al servicio de la iglesia, entonces la relación entre ese artesano de aquella época y quien miraba la obra estaba fuertamente ligado con este orden devotional, a través de Dios, esta pedagogía que hacia la iglesia para meterla a la gente estas ideas y para poder creer en algo mayor que ellos, una forma de control, el arte servía para eso y por muchas épocas también, nada más en la época medieval, no? Pero bueno, si volteamos a ver estas catedrales goticas que muchas vamos a conocer, no tredame en parís, la catedral de Chartres o la de Reims, por ejemplo, como en el interior de estas catedrales lo que estamos viendo es como los vitrales, las esculturas, si has estado dentro de Notre Dame te acordarás, o sea, lo majestuoso que es, pero que todo tiene un propósito pedagógico, nada está ahí al azar, enseñar las escrituras a un público que era mayormente al fabeto, diebocar esta precesión lo divinora lo importante, entonces vamos a ver escenas bíblicas talladas en piedra, el juicio final, vida de santos, de mártires, todo ofrece una lectura clara de valores y de fe que los fieles devían de abrazar, ¿no? Entonces, en este sentido, la figura del artista se encontraba casi en este segundo plano, estaba oculta atrás esta labor colectiva de los canteros, de los vidrieros, de los pintores, que muchos de ellos ni siquiera firmaban las obras, ¿no? En parte era porque claro la intención como les decía era exaltar la gloria divina más que la humana y en parte también porque la producción artística se regia por gremios o talleres en donde les esfuerzo colaborativo y en importante era lo más importante que el renombre individual. Hago en fascismo en el colaborativo porque después decimos no es que este artista hubo una controversia se poco por la exhibición que tienen en el Humex, la de Gabriel Orozco, que porque Gabriel Orozco no hace sus obras y no puede ser, y es que esto no es novedad, pero viene desde hace mucho tiempo. En fin, puedo hablar después de Gabriel Orozco, creo que no ha hablado de él ni de la exposición del Humex, me parece, no es de los artistas que me podría decir que me gustan, más bien, se me hace interesante que podamos voltear a ver como el proceso creativo en el que pasa a un artista como él, como lo conceptualiza a través de la materia porque tiene obras muy curiosas que, claro al principio que las ves, te causa un shock, no soy defensora de Gabriel Orozco ni Gator de Gabriel Orozco, pero en fin, bueno, creo que me estoy desviando, digamos, si es un tema que les interesaría platicar, pero continuando con nuestra línea del tiempo y todo, lo que hoy consideramos la marca personal de un artista no era el centro de la discusión. La trascendencia las imágenes se media en su capacidad por inspirar esta devoción y humildad, entonces la reacción del espectador en esta época se estaba fuertemente condicionada por una función litúrgica del arte, contemplar un retablo, contemplar un fresco, no era un acto de "wow, mira qué belleza", no era admiración estética en este sentido moderno, sino era este ritual de contacto con los sagrados, si podía sentir adiós hablándote a través de ellos. El fiel se acerca la obra con esta reverencia porque la pieza de arte va a guiar sus oraciones, sus meditaciones y al mismo tiempo lo situa en este esquema, pues teológico que describía su lugar en el universo. Esto lo mencionó, Igan, porque creo que es bien interesante voltear a ver años y años y siglos atrás y darnos cuenta que el arte nunca ha tenido la misma intención. Creo que tengo una episodio de esto, es algo que ha hablado muchas veces, pero pues sí, es algo que me apasiona mucho porque veo que siguen surgiendo los mismos comentarios, no solo en hablamos arte en el mundo, no en conversaciones que vas teniendo que la gente sigue haciendo un juicio sobre obras de arte por ideas que tienen de época medieval, que dice "Sora le freno". Ni vivíamos en ella, ¿cómo es posible que estamos haciendo un juicio tan severo sabiendo que el mundo ha cambiado ya y que el arte ha evolucionado junto con nosotros? Entonces, bueno, por eso hago tanto encapié en esto. Ahora, si nos vamos a la época del renacimiento, solo porque me interesa que reconozcamos como va cambiando poco a poco, no? Fue una avance gigante en la relación del espectador con el artista, pero realmente se mantenía en este terreno y llamémosle pasivo, porque el público en el renacimiento admiraba este virtuosismo técnico, la belleza, pero rara vez participaba de manera activa en el sentido último de la obra, o sea, no es como que participaban activamente con el día de hoy con el migitório de Duchamp, ¿no? Nada que ver. Pero la historia del arte es cambiante, es extensa, ni siquiera la conocemos por completo porque conocemos un lado de ella, pero nos podemos saltar a este punto de la historia cuando ya nos topamos con las vanguardias a inicios del siglo XX, porque esta dinámica que tenemos el día de hoy se reconfiguró del marásticamente y empezando con Marcel Duchamp, claro que este es un episodio que tenemos que hablar de él y de El Sabón Fri-Tag, la autora intelectual original del migitório, pero como Duchamp lo que me interesa hablar de él es como la parte filosófica de conceptualización de una obra, no tanto de la obra en sí, no, pero como Duchamp fue de los primeros en decir como la obra no se consuma hasta que alguien la ve, hasta que alguien la procesa y se apropia de ella su manera, tener esta frase icónica que dice "el acto creativo no es realizado solamente por el artista" y esta frase lo que hace es romper con esta tradición, con esta noción tradicional de que la pieza pues se termina con la firma del autor, aquí ya empieza a concebirse que la obra es como un evento relacional, es este espacio conceptual en el que el diálogo y la interpretación del público eran indispensable, entonces con sus ready maids Duchamp no se limitaba solamente a producir tres comillas el objeto con esta destresa tradicional, esta destresa técnica tradicional, sino que él tomando este elemento cotidiano, la roya de Luisicleta, el urinario, el ejemplo que quieras poner, como lo presenta como arte en un nuevo contexto y el nuevo contexto este término, el nuevo contexto es lo que me interesa aquí, porque cuando lo pones en un nuevo contexto es donde el espectador entra y dice "góral esto me saca de onda porque no lo estoy viendo en el contexto tradicional y original", este chispazo artístico recibe en gran medida en la mirada, o más bien en la interpretación del público y como la crítica rodea ese objeto, entonces la obra fíjense como de pronto no es nada sin el espectador, el espectador es el que dota el sentido, el que se va a preguntar qué significa porque está en un museo, cuáles son las implicaciones para que un artista haga esa clase de gesto, Arthur Sedan toque, este filosofo estadounidense, uno de los grandes teóricos de la segunda mitad del siglo XX, el retoma está idea de pensamiento y el abora, su famosa teoría sobre la relación entre la obra de arte y el contexto, de tanto hay muchísimos textos o llegan y siempre que lo mencionen en el podcast siempre lo recomiendo alguno y el día de hoy les voy a recomendar la transfiguración del lugar común, que es un texto en donde dan tanto explica que la diferencia fundamental entre un objeto ordinario y una obra de arte no radica solo en sus cualidades físicas, o sea en lo que estamos viendo, aquí ya se ha sentido meter el tema de Gabriel Horosco, si no, lo fundamental de una obra está en cómo ese objeto se inserta dentro del mundo del arte entre comillas, cómo se insertan este entramado de discursos de instituciones de teorías y, por supuesto, la percepción y la comprensión de los espectadores. Entonces lo que convertiría este sencillo contenedor de jabón brillo en un icono artístico, aquí estamos hablando de la obra de brillo box de Andy Warhol, no es el objeto en sí, sino la interpretación y el significado que el público y los críticos son capaces de aportar a partir de la visión y del gesto del artista. Entonces uno no existe, sino el otro. Ok, me queda pensando como, ¿quién sería más importante? Pero aquí creo que no hay jerarquías. El artista es el autor intelectual de todo, pero el espectador es también quien forma parte de todo el mundo de comunicación alrededor de ella. Le enfoque de tanto, abre la puerta la idea de que el espectador se convierte en coautor de los primeros en decir, ahora le creo que también el espectador es importante. No es ya este sujeto pasivo que lee la obra de manera lineal como lo habíamos platicado, si no es este participante que contempla, que completa, la explicación. y la experiencia artística con este vagacultural, con sus emociones, con los debates interno, sus posibles rechazos, entusiasmos, etcétera. Entonces igual que Duchamp, danto su raya la importancia de los marcos de interpretación que el espectador activa con su mirada. Sin estas perspectivas, sin este mundo del arte en donde críticos, museos y públicos brindan, lecturas y contextos, pues la pieza permanecería en el que les digo que sin estas perspectivas, el mundo del arte, donde críticos museos y públicos brindan, lecturas y contextos, la pieza permanecería invisible como fenómeno estético. Si nunca hubiera existido o estaba el migitore de Duchamp pero un museo, esta obra no existiría como existir el día de hoy, por supuesto. Ahora les digo, ahorita no me estoy metiendo en el tema filosófico porque está última comoración que les hago en donde les digo que sin estas perspectivas, el mundo del arte, donde críticos museos y públicos brindan como fenómeno estético, es un tema bastante debatible cual creo que hay muchísimas posturas y que podemos hablar de muchos filósofos para defender o contra argumentar la idea. Pero el día de hoy no me interesa entrar como en el tema filosófico que creo que es un poco más profundo. Es más bien un episodio donde podamos platicar como un poco a menos sobre la superficie, sobre esta relación que les digo. Entonces, bueno, si les interesa también, los ha hecho en la mano, ponándome en comentario, avísenme si es algo que les interesa profundizar mucho más y ya saben que con gusto porque es lo que más me gusta hacer, lo puedo trabajar. Pero bueno, esta visión que les platico de tanto tanto tanto, como Duchamp, como arte conceptual, todo, enfatiza que la obra de arte no es un objeto pasivo, no es este acontecimiento que está abierto la participación. Y cuanto más consciente es el público de su rol, más ricas llegan a hacer las interpretaciones, ¿no? Porque si más nos metemos en el papel de que somos nosotros, quien terminamos una obra a través de nuestra mirada, pues vamos a empezar a meternos de lleno, a investigar, a pensar que es lo que el arte requiere. Ir a un museo les digo siempre no es como nada más ir al cine, sentarte y esperar que la obra se despliegan a ti, te cuenten todo, te en el contexto, no? Ir al museo es voltear a una obra y decir, OK, hagamos el trabajo. Es un ejercicio de práctica también, ¿no? Creo que es bien importante porque aquí, todo lo que estamos hablando ya no se trata de contemplar nada más la habilidad técnica de quien pinta, de quienes culpe, sino de sumergirnos en este territorio simbólico en donde el diálogo colectivo llena el objeto de significado y lo cuestiona y en ocasiones lo colocan el centro de controversias, políticas sociales, etcétera. Entonces de alguna forma creo yo quedando y Duchamp sientan estas bases de una buena parte del arte contemporáneo, donde la obra no se agoten sin misma, una obra no se acaban aas porque la cuelgan, sino que vive y se redefine la mirada y en el pensamiento y de quienes observan, que creo que lo hace extraordinario y maravilloso porque no sabe un mundo ya no es posible. La creación siempre ha sido un fenómeno compartido, un intercambio de voces y desilencias, como les decía, que permite que el arte se convierta en un espacio de pensamiento, discusión y encuentro, no solamente en los museos, sino hablando del concepto del arte. Creo que a raíz de todas estas ideas que estamos discutiendo y desarrollando cada museo, galería o espacio cultural es una escena de participación activa. Es lo más cercano que tenemos a un agora, que es este espacio público en donde la obra encuentra su sentido en múltiples perspectivas. Es más que un santuario donde el público adopta una actitud como devocional. Hay mucho más. Creo que podemos poner de, si les pongo, ejemplo, una artista contemporánea. Podemos hablar de la brasileña Lilla Clark, que me parece fascinante busque en la Google. Ella replantó el rol del público a través de una serie de obras que le llama "Opjetos Relacionales". Otra vez lo repito el nombre en caso de que se lo habían perdido. Lilla Clark. Pero bueno, objetos relacionales es esta serie de obras en el que el objetivo no era verlas como objetos para ser contemplados sino que exigían el contacto físico, la manipulación para quien se los encontraran. Entonces la intención de esta artista de Clark era disolver los límites entre el creador y el usuario de la obra. Lo quería transformar al espectador en una clase de coautor que aportaba cuerpos sensaciones al acto creativo con lo cual la obra iba a tener este carácter vivo y cambiante. Todo lo que acabamos de hablar, no? Es básicamente Lilla Clark como un ejemplo absoluto de todo lo que estamos diciendo. Entonces, este compromiso activo del público, que podemos tener este compromiso activo, nos revela este cambio en la concepción del arte. La obra deja de ser un objeto estático para ser entendida como un proceso que brota de una interacción directa. Y esta relación entre nosotros y quien crea, trasciende la curiosidad meramente académica, que es lo que siempre criticamos del mundo académico del arte, no? Sino que influye directamente en la forma en la que consumimos cultura, la forma en la que preservamos la memoria y cómo nos relacionamos con los demás. Esta relación oigan es fundamental para sostener este dinamismo del mundo del arte. Si no hubiera creadores que plantean preguntas y espectadores dispuestos a responderlas, no existiría este encuentro transformador que se da cuando contemplas, cuando discute o cuando vives una obra de arte. Al final lo que lo hace tan valioso es este diálogo, esta invitación a la apertura y a la aprendizaje. Y quienes se aferran al pasado como esta única medida de valor, corren el riesgo a perderse en esta nostalgia, anegarse la posibilidad de descubrir nuevas manifestaciones estéticas. Después de todo, acuerdense que el arte no es un objeto inerte. Es un proceso en continua construcción que nos involucra, que nos confronta y sobre todo que nos unen el acto de crear y de recrear significados. Así que mi invitación es que la próxima vez que te encuentres ante una obra de arte, una creación artística, un cuadro instalación, performance en redes sociales en físico en un museo donde sea. Pregúntate. Estoy solamente mirando, estoy nada más volteando a ver porque se me cruzó en el camino, o estoy participando en algo que me incluye y me transforma. La respuesta a la que llegue no importa cuál sea, creo que va a ir mucho más allá de la sala de exhibición y te lleva a reconocer el arte como un proceso que no termina en el creador. Sino que perpetúen la mirada y en la imaginación de cada quien, de cada espectadora, su modo, siendo una artista forma parte de la obra. Así que mi gente bonita, le emocarte. Muchas gracias por llegar hasta aquí, por escuchar hasta esta parte del episodio de un tema que me apasiona tanto. Espero que se haya sentido. Espero leerlos en los comentarios de aquí en Spotify o en un mensaje directo. Ya saben que este podcast no está terminado hasta escuchar lo que ustedes tienen que decir. Dene sus sugerencias, opiniones. Creo que aquí lanzé varias ideas como de los que quería desarrollar en los próximos episodios. Díganme que les valatiendo temas, ideas, lo que sea. Los quiero, les mando un abrazo enorme hasta donde quiera que estén. Y ya saben que como siempre, hablemosarte la próxima semana.