Gerhard Richter, peintre du doute

[Musique] En 2021, dans le sud de la Finlande, la police locale teste un logiciel pour identifier des corps non réglamés à partir d'archives photos. Les images sont abîmées, incomplettes, mais le système établit une correspondance et un nom apparaît. Fredrick B. La famille est contactée et l'entièrement a lieu. Mais trois mois plus tard, Fredrick B. se présente dans un commissariat, bien vivant. Le rapport dira que le logiciel a généré seul la part altérée d'image et qu'on a pris la cohérence pour la vérité. Guerre art tricheteur lui a passé sa vie à peindre des images qui ne complètent pas et n'affirent rien, à peindre contre l'évidence. [Musique] Le sondage va causer magazine. Fallait-tu sur les Français à l'art? C'est assez réjouissant, je crois, on m'aurait. Je peux du lui reprendre. C'est assez enthousiasment, je suis là-cun. Ça casse complètement le postulate, ce podcast. C'est un qui disait que par-t-il du principe que les gens étaient un peu ramétiques à l'art contemporain. En fait, on se rend compte que 64% des Français déclarent à presser l'art contemporain. Oui, mais à l'art après, il y a autre chose qui est surprenant. C'est que quand on leur demande quelles sont les artistes auquel ils sont les plus attachés, ils ne s'ilsent pas à l'artiste contemporain. Oui, c'est l'idée de l'art contemporain qui les sait duui ou l'art contemporain dans sa généralité. Mais il n'y a pas à part banque-si des premières artistes qui cités. Ils ne sont pas partis des premiers noncs qui émergent. Non, mais ça prouve que les gens ont une vision de l'art dynamique. Je pense que c'est ça qui aime dans l'art contemporain. C'est à dire que c'est l'art en train de se faire l'art de leur époque, l'art qui reflète les enjeux de la société dans laquelle ils vivent. L'art pratiquement pourrait faire eux-mêmes. Il y a moins de mise à distance qu'avec la peinture en scène. 32% qui déclarent poussés des 1e. 60 2 qui déclarent à presser à rapport à 32% qui poussés du 1e. Oui, c'est dingue. C'est intéressant de voir quelle est la part du. Est-ce que le digital a idée à ça? Oui, peut-être. Je pense que ça a joué à rôle parce que pour les gens qui achètent leur première avro d'art, je pense qu'il y a un aujourd'hui, les sites internet qui permettent de le faire et qui sont parfois peut-être moins intimidants qu'une gainerie d'art. L'une des démonstrations de la pétence pour l'art, c'est l'exposition Hitchter, la fondation de l'huiton qui est blindée. Je crois vraiment que pouvoir dire que l'exposition phénoménale qui a un riftère est sûrement le plus grand artiste vivant ou l'un des tout plus grands artistes vivants. Et cette exposition-là par son emploi, par le fait, qui n'est ni moins que rien, quasiment, c'est-à-dire que tout est là. C'est tellement riche que je me suis déjeu une monde par quel bout l'attraper. Si on commence très simplement, comment tu en deux mots tu racontais riftères, quelqu'un qui ne connaît pas du tout. Riftère est un artiste assez silencieux et il considère que la peinture est un langage en soi et que donc expliquez la peinture par les mots, n'a finalement pas tellement de sens. C'est pourtant ce qu'on va s'y atteler à faire. Merci, au revoir. Riftère, il arrive dans une époque, qui est une époque de bouleversement immense, et il a. il vécu à 32 ans déjà une vie à Troya, où il a vécu les trois grands marqueurs qui vont marquer le XXIe siècle. Il a grandi, il est né adresse, en 1932, et donc il grandi dans l'Allemagne nazie. Donc il voit le nazisme, il voit aussi le rapport à l'image, la propagande, la propagande, etc. Ensuite, il se retrouve adresse. Donc on a le magn de l'est, et on tire, ville martir, complètement bombardé pendant la guerre, et donc cette idée de la rate d'estruction est aussi un propos récurrent dans son travail. Et donc là, il va étudier à l'académie des beaux arts de dresser. Donc il va apprendre qu'on appelle le réalisme socialisme, cette peinture de laquelle le moie de l'artiste est complètement soustrait à la volonté de faire un art populaire, et pour tout, c'est pour mettre en avant la lute ouvrière, etc. Et donc là aussi, il image un rôle politique. Et ensuite, il va passer à l'ouest, juste avant la construction du mur, et il va arriver à 12 elders, qui est une ville. Il a qu'elle a, j'ai. Là, il a une trentaine d'années. OK. On est en 61, 62, donc il a 30 ans. Et là, il va recommencer une école d'art à 2 elders, qui est l'école dans laquelle enseigne Joseph Beuse, qui est une grande, grande figure de la végard de européenne de ces années-là. Et donc là, il va découvrir l'image, comme outils de vente, comme à être à la publicité, et à être à la télévision qui va naître. Et donc, il a très vite, comme ça, un rapport à l'image qui est assez ambivalent. C'est-à-dire qu'en même temps, il a vu cette image qui était utilisée à des fins politiques, puis mercantiles. Et donc, il va n'avoir de 16, que d'essayer de se mettre à distance de ces images-là. On voit une vraie différence entre 16 heures avant qu'il ne passe à l'ouest. Alors, ça, c'est amusant, parce qu'en fait, les oeuvres de l'Est, on en a entendu parler, mais on les connaît assez peu, on entend parler d'une grande fresse qui le réréalisait, et lui, il est rifter dans son approche très méthodique de la peinture, va réaliser après lui-même son catalogue raisonné, et donc, il va décider qu'elle est la première oeuvre de sa production. Et sa première oeuvre de sa production, c'est une oeuvre qui l'a fait étend-pas-c'est déjà à l'ouest. Et c'est sa première oeuvre en grisaille. C'est une oeuvre qui s'appelle table, où on y voit à la présentation d'une table, qui est déjà floutée à l'aide d'un grand geste gris. Et donc, tu veux dire que le plus grand point de remonte a tout un pan de son oeuvre qui personne n'a jamais vu. C'est lui considère que le premier jour de sa carrière de peintre commence avec le croire. Et ça, encore une fois, ça met en avant un trait de sa personnalité, qui est, je pense, lui, d'essayer de contrôler l'oeuvre et l'image qu'on peut en faire. D'accord. Et donc, comment on peut rentrer dans cette expo foisonnante avec méthode et clarté à ton avis? Je pense qu'il y a tellement à dire que le mieux c'est d'essayer de laisser parler les tableaux, d'essayer de s'arrêter sur quelques oeuvres et de comprendre ce qu'elle peut nous dire. Je suis que j'ai un requête. Alors, au début de cette exposition, il y a une oeuvre qui, moi, m'a frappé. Je crois que l'oeuvre s'appelle Marianne. Alors l'oeuvre s'appelle Marianne, en fait, elle sera renommée après tant de Marianne. On voit une jeune fille avec un bébé dans les bras. On peut imaginer que c'est une mère avec son enfant. Le image est assez touchante, mais quand même, en printe d'une certaine mélancolie et d'une certaine, d'un début tragédie. Le bébé a l'air presque inquiets. Le regard de Marianne est un peu fuyant. Mais ensuite, ce qui nous bouleverse avec cet œuvre, c'est à quel point l'histoire familiale de riche-terre. Et puis, la petite histoire rencontre la grande. Parce qu'on apprend que la jeune fille sur ce tableau est la tente de Gerard Trishterre, Marianne, la sœur de sa maman. Et que le bébé qu'elle t'aille dans ses bras est Gerard Trishterre lui-même. Marianne sera diagnostiquée, ce qu'ils offrennent par les médecins nazis. Elle sera placée dans un centre psychiatrique. Dans lequel elle sera d'abord stérilisée, puis ensuite assassinée, tout ça s'inscrivant dans ce funeste programme T4, un géniste qui a été un programme eugéniste qui est un témoin de la folie du nazisme. Donc cette histoire est évidemment une douleur immense dans la famille de Gerard Trishterre. Mais il soit un de ça, règle pas là. Parce que Riffterre décorera des années après que son beau père, le père de sa première épouse, qui était médecin génécologue, n'est autre que l'un des initiateurs de ce programme T4, et qu'il a donc, en quelque sorte, épousé la fille du bourreau de sa tente. - Un grand. - Donc c'est là tout le traumatisme de cette allemagne d'après-garde qui ressurgit. - C'est vertigineux, c'est un terme d'ailleurs qu'on peut retrouver pour des kleurs d'oeuf de Riffterre. Et je pense là un peu l'essence de l'art de Riffterre, c'est-à-dire qu'en même temps, il prend des images banales, les photos de famille, mais qui tout d'un coup s'entrechoc avec une histoire beaucoup plus large. - Moi je pense que le fond de ce tableau et peut-être même le socle de l'oeuf de Riffterre, c'est le doute. C'est le doute du zavide d'image et de la force que l'image peut avoir. Et donc c'est un peintre du doute. Et dans cette photo, on sent ce doute à représenter le réel sans le investir. C'est-à-dire qu'il dit à un documentaire assez magnifique où on voit Riffterre travailler dans son atelier ou on le voit regarder des photos de famille Et voilà! même temps il se pose la question de savoir est-ce qu'il faudrait pas détruire toutes ces photos parce qu'elle monte, elle décrit d'une réalité qui n'existe pas. C'est-à-dire qu'on s'attache au figure qu'on voit sur ces photos, mais en fait on n'a pas connu parce qu'on était trop jeune. On s'imagine toute une scène de ce qu'il y a pu se passer avant ou après tel photo, mais tout ça est une réalité fictive et donc fin de ces photos monte déjà. Et donc ce que veut Rister à travers son art en général, c'est d'essayer de représenter une œuvre qui ne m'en part. C'est de représenter une œuvre qui ne m'en part en créant une mise à distance par rapport au sujet. Et cette mise à distance là, elle s'opère grâce à l'opération de flotage. La réalité de l'œuvre, c'est son existence en tant que telle, c'est la peinture elle-même. Si il devait représenter le sujet de façon net, il apporterait peu par rapport à une photographie et il serait dans une tentative de représentation. Et dans une tentative de représentation, il y a toujours une interprétation et il y a toujours un élément qui vient fosser la réalité. Là, il n'est plus dans la représentation de la réalité. Il est dans la création d'autres choses qui a sa propriété. Mais dans ce reçu de la représentation, on pourrait se demander aussi, qu'est-ce que c'est que d'être un peintre après l'hôlocoste, à quoi sert de représenter le réel quand le réel a été si monstrueux. Cette réflexion, elle va évidemment habiter Richler, mais aussi beaucoup d'autres artistes allemands de la même génération après-garde. Il est bouleversant ce tableau et il imprime la rétine et le cerveau. Depuis qu'on l'a vu, il m'a pas quitté. Il y a un autre tableau, je crois, qui est très connu, qui est même peut-être le plus connu. La bougie, tu sais, cette bougie. Là, on était dans les années 60, là, on passe dans les années 80. Et la bougie était devenu une heure absolument icônique de l'histoire de l'art. C'est ce qu'on pourrait appeler une nature morte. Donc, on y voit simplement une bougie avec une flamme qui se dresse, un fond sombre assez neutre comme un tableau abstrait et se dégage de ce tableau une présence à mystère incroyable. On a l'impression que cette bougie, elle illumine toute une pièce. Il faut savoir que la bougie était dans l'almagne de l'Est, un des symboles de résistance, mais une résistance silencieuse mais bien vivante. Et donc, ça, c'est Richard qui en parle, sans pour autant vouloir y projeter exactement cet idée sur le tableau. L'idée de Richard, c'est que la peinture doit parler d'elle-même. Et je pense que une des raisons qui fait que cette œuvre est devenue une tele-icône de la contemporain, c'est qu'elle traverse les âges. Elle fait éco aussi des thèmes très connus de l'histoire de l'art, qui sont les vanités, les mémènes de tomori. Elle a quelque chose de très classique, presque. Bien sûr, c'est une peinture classique à l'époque contemporaine. Ça pourrait presque être un zoom dans une peinture flamme-en. Absolument. Et c'est une peinture qui va parler à chacun différemment dans laquelle moi je vois la représentation de la fragilité de l'existence. Comment tu définis vanité? C'est vanité. C'est la. C'est la faiblesse de l'homme face à l'approche de la mort. C'est-à-dire que finalement chacun nous va mourir et que donc on est bien peu de choses face à cette grande échéance. Et donc ça peut être représenté en peinture souvent par des cranes. Oui. D'accord. Mais ici par cette bougie qui je crois représente très bien toute la fragilité de l'existence. Globalement l'exposition elle m'a chamboulée même déranger. La plupart des oeufs sont dérangers et c'est le si rassure presque. Il y a quelque chose de très grave et très doue en même temps. Je peux pas vous l'exprimer. Elle existe par elle-même. Elle a une forme de présence, de chaleur presque qui se dégage de cette flamme. Moi je vous souviens d'une installation, d'une oeuvre de la même série qui était seule dans une pièce. Elle venait éclairer toute la pièce l'ambomée de cette espèce de tombe chaud qui s'en dégage. C'est aussi le propre déchet d'oeuvre. Parfois ils mettent tout le monde d'accord. Sans vraiment qu'on puisse l'expliquer. C'est une oeuvre dont la simple présence vient de transformer le monde qui l'entoure. Il y a la fin de cette exposition. Des oeuvres qui rentrent dans ce registre des grandes peintures abstraites. Elles ont des tomes plutôt foncées à majorité noir. On y perçoit aussi un peu de rouge, de blanc, de vert. On comprend le travail couche-sur-couche. On voit la vibration de la surface. Cette technique est vraiment très propre à l'artiste. Mais contrairement à beaucoup de ses oeuvres qui ont tous des titres assez peu-disants, là on est tout de suite interpellé par le titre qui est Birkenar. On peut venir se demander qu'est-ce que l'horreur des contracentrations vient faire dans cette oeuvre. Dans l'exposition on comprend que Richter est partie de photos qui avaient été faites par un prisonnier de Birkenar, qui avait été volé dans les coffins qui avaient été faites de façon clandestine dans les camps et qui avaient pu être ensuite diffuser parce qu'il avait pu la faire sortir des camps, je crois, dans un tube de dentifrice. Et ces photos sont absolument bouleversant et terrées parce qu'on y voit des prisonniers des camps chargés de l'incinération des corps. Et donc on y voit à des corps calcinés autour duquel on voit comme des scènes de vie. Alors on a du mal à distinguer si sont d'autres prisonniers qui travaillent dans le camp, ou des gardes, des gardes, etc. Mais c'est une image qui est absolument c'estissante, parce qu'au premier regard on voit qu'on peut y voir comme une scène de vie banale, c'est la trocité dans ce cas-là de plus total. Et donc on comprend après que l'ambition de Richter était donc de faire une série sur ces photos-là. Et donc qui commença par représenter de façon fidèle ces photos, puis ensuite il vient les effacer complètement et faire cette maitura à misrette par dessus. Et donc ce qui nous montre là, c'est en fait l'impossibilité de représenter en image, l'horreur des camps de concentration sans la investir. C'est une question que je me suis posée. Tu penses que à travers ce procédé il nous dit c'est une telle horreur, est-ce que la peindre, essayer de la peindre sur évin, ou est-ce que c'est un refus presque moral? Ça dit qu'en fait c'est sa position que j'ai pas réussi à tout faire faire. C'est une image sur l'impossibilité de faire de cet horreur une image. C'est-à-dire qu'il a tellement conscience du pouvoir d'une image qui sait que d'essayer de représenter cette horreur n'auraient pas de sens par rapport au photo fait par ce prisonnier. C'est qu'en fait les photos ont une force que la peinture pendant figurative n'arriverait pas à dépasser et qu'il aurait même une forme de malonité à vouloir représenter ça en peinture de façon figurative. Voir d'immoralité, voir d'un descense, exactement l'attraction de vers un presque acte éthique et facez ici c'est pas ouvié de réel, c'est re-fusé de le simplifier. Tu disais donc que Richard ne peint plus aujourd'hui? Oui absolument, il a arrêté la peinture en 2017 pour se consacrer à d'autres supports de plus petits formats, et notamment des dessins. Et je crois des dessins dans lesquels ils utilisent des procédés avec des plaques de verre. Ah oui, il y en a quelques-unes d'ailleurs. Et le verre qui a toujours été une source de questionnement et de. et un medium qui l'a travaillé un peu tout au long de sa carrière, le verre ou même le mi-en-roir, qui sont des matériaux qui l'intéressent. Et donc, à la depuis Richard travaille ses médiums là, il a d'ailleurs changé de galerie, fait assez marquant parce qu'il était représenté aux États-Unis par Marianne Goodman, qui était une femme exceptionnelle qui vient de nous quitter, qui était une des grandes grandes prétresse du marché de l'art. D'accord. Et qui a représenté Richard, je pense depuis des années 80, Richard avait déjà exposé au St-Alge-Niavant, mais il lui a donné une ampleur considérable. Richard il y a quelques mois à annoncer que maintenant il est rejointi la galerie Zwerner, qui est vraiment l'une des. - Plus qu'on a dans le monde. -. dans le monde, dans le galerie au monde, et qui lui a consacré une exposition à Paris, une exposition à Londres, qui montrait les tableaux cette année pendant en Basel Paris. Il a dû juger que c'était la galerie la plus à même à gérer la posterité. - T'as l'impression d'ailleurs quand tu chemis là-dessus, et que tu arrives au bout, qu'il a presque fini le jeu, il a presque épuisé la peinture. Tantis s'effrotait à des techniques, des sujets, des approches variées. - J'ai l'accord, il y a quelque chose de sachet Richard, c'est-à-dire que là où les peintres souvent se contente d'explorer une des disciplines de la peinture, nature lui. à toucher à tout, un peu comme un Picasso qui aura épuisé la figure, qui aura sans cesse transformer, qui se sera réinventée en permanence. Richard L. est un peintre qui a touché à toutes les sous-disciplines de la peinture. Mais c'est pas un peintre qui comme un Picasso vient se réinventer complètement à chaque décennie. C'est un peintre qui a posé les principes de sa peinture et qui ensuite les développer au maximum. T'as vu d'autres choses récemment qui sont interpellées, qui ont. J'ai vu une très bonne exposition en galerie à la galerie Mendais-Soudre, qui est une galerie brésilienne qui s'est installée il y a un peu de temps dans le maire à Paris Place des Vosges. D'accord, un très joli hotel particulier, et elle expose ce peintre italien qui s'appelle Jean-Jacques-Homon Rossetti, qui vient à New York, qui est un peintre assez rare, qui fait une peinture figurative, inclassable. Quand on est en phase dans cette tableau, on a du mal à situer l'époque, surtout dans cette exposition-là, où il vient un peu jouer avec ça. Il y a des tableaux qui sont des reprises de renoir ou un autre tableau dans lequel on aperçoit à travers une porte des figures en redengote qui pourrait faire penser à un tableau de caïbote. Tout ça, avec mélangé à des personnages au physique assez actuel avec des têtes de recueur romantique, c'est un peintre inclassable. Il faut voir les œuvres en personne, parce qu'elles ont une vraie présence, il y a une qualité technique assez incroyable, et donc ça c'est une exposition qui m'a particulièrement plu. Il y a cet expo aussi dont on a beaucoup parlé ces derniers jours, l'expo de Kidd Kiddie à la galerie Rutovski. J'en ai entendu parler, j'ai pas vu l'exposition, j'ai entendu aussi que ça avait sérieusement animé le quartier, une galerie que Schradnack y vernissait une exposition le même soir, m'a dit qu'elle avait sûrement bénéficié de la foule qui m'aîné pour Kidd Kiddie. Franchement, je trouve que le pari est tenu, moi, j'ai trouvé ça intéressant, c'est pas gadget, j'ai trouvé ça très sincère, très authentique, il s'est libéré de quelque chose, et ça se voit, je trouve que ça se concentre. - Non, non, et bien avec nous on espère nous attendons voir de autre et on espère de faire la licence d'un peintre alors.