3.20 Cuando se romantiza una forma de crear sobre otra

Está bien admirar los artistas, está bien admirar sus métodos creativos, pero lo que no está bien es romanticarlo, que nos pongamos este papel de juez a juzgar, quienes más o menos solo por tener intenciones más puras. ¿Qué es lo puro? ¿Acaso una artista tiene que sufrir? ¿Por amor al arte, para hacer mejor? Conablemos arte vamos a hacer que hablar de arte sea algo común, aunque no se nada común y que sea de todos no solamente el experto. Te lo juro que no te vas a hurrir. Bienvenidos a mi gente bonitable, hemos arte a un nuevo episodio del podcast, estoy feliz de tener que regresar por qué hoy, te tengo nuevamente un tema que a mí me parece muy interesante y que está lleno de reflexión, así que me gustaría platicarlo, que son las diferentes formas de crear. ¿Cómo los artistas se las han engennado y han desarrollado diferentes funciones a través del tiempo? ¿Cómo todo lo que hacen está ligado a su contexto? Y quiero que pensemos para arrancar en cómo romanticamos muchísimo el papel de un artista, ¿ok? Creemos que son estas personas que de repente les brota la inspiración así por arte de magia, que crean una pintura instantáneamente, porque tenemos estas historias de "ay, tal artista pintó esta obra impresionante que estás viendo en solo un día, jugando por supuesto que no es para todos de esa manera". Hay historias que no dicen que se convirtieron un éxito de la noche a la mañana, pues no los han pintado de esa manera, pero hoy quiero ir más allá de ese concepto que nos cuentan, que es lineal, pero no lo es en lo absoluto. Así que, ha empecemos desde el principio, cuando se crea este concepto formal de artistas, que es justo en la época de renacimiento, ya que antes serán considerados artesanos. Se empiezan a crear estos talleres de artistas que eran una imitación a cómo trabajaban anteriormente en sus oficios, y de estos talleres salían muchos, muchos grandes nombres como los que hoy consideramos grandes maestros, como David, Jimmy, Miguel Ángel y hace la saber, ¿no? Empiezan a ver estas dinámicas maestro y aprendizan a tener las escuelas, y esta era la forma de aprender. No solamente les enseñaban pintura, proporciones del cuerpo humano y ramás, pues, artísticas, ya llamamos la sí, sino que también aprendían a manejar diferentes materiales desde arcilla hasta la madera. Convivían diferentes artesanos, ya aprendíse, "P" aprendices perdón, pero quiero dejar bien claro esto, y ganó, crean que todo esto era por amor al arte. En muchos de estos talleres se les pagaba los aprendices, se les pagaba con salario o en especie, porque era un trabajo, no solamente estaban aprendiendo, también les estaban ayudando al maestro del taller, que cumpliera con sus encargos mientras ellos aprendían en el proceso. Podemos tomar el ejemplo por supuesto de Leonardo da Vinci, del taller del Leonardo, que de hecho hay un historiador que se llama Charles Nicole y explica cómo, pues, algunas obras eran pintas exusivamente por Leonardo, sin embargo, había varias que eran ejecutas por sus ayudantes o sus asistentes, bajo su supervisión. Que ya sabemos, esa es la misma historia que pasó con el Salvador Mundi, la obra máscara del planeta Tierra, que resultó no ser de Leonardo sino es su taller. Entonces, como este ejemplo, una obra del maestro, en este caso da Vinci, se paga más cara que una de sus discípulos. A menor intervención de Leonardo, pues, menor precio. Entonces trabajaban en base a las plantillas originales de da Vinci, y a veces podían crear obras más libremente, pero siempre dentro del estilo que identificaba la marca, entre comillas o el estilo de da Vinci. Y así como hoy en día, los practicantes se les pide traer café para todos, o lo va a ser las tareas que nadie quiere hacer, o lo que nos pintan en las películas al menos, en ese entonces, a los más amatúrs les tocaba la barra de pinceles, poco a poco, iban subiendo en nivel hasta llegar a ser un nivel alto y poder poner su propio taller. Esta relación maestro aprendiz era lo más cercana, de lo más duradera, incluso uno de los aprendices de da Vinci, que se llama Francesco Melci, lo describió como el mejor de los padres. Esta oigan, por muchos años, esta era la manera de crear, era la norma, hasta que después de mil años, ¿verdad? Después de mil y un dos revoluciones industriales, de muchos avances tecnológicos, de materias primas, procesos, etcétera, podemos llegar a hablar de los impresionistas. Para esta época ya se había desarrollado la teoría del color en 18090, imagínense. Tenemos que hablar también de este super avance en cuanto a las pinturas, que este ejemplo ya se lo supuestra en el podcast, pero que antes de estos tubitos enolio y temples hacían artesanalmente, los guardaban en estos pequeños higados de animales para que se mantuviera fresca, todo el menjurje que hacían entre pigmentos, minerales, exportados de otros lados, era carísimo. Pero de la nada, a bu, llega la revolución industrial, se inventan estos tarros, estos tubitos de pintura, lo que permitió llevar esos óleo a la aire libre bajo el sol, sin que se secaran, se oxidaran rápidamente como, pues había sucedido hasta entonces. Y no solo era más fácil la transportación, sino que también se desarrollaban nuevos pigmentos con colores más vibrantes, o sea, colores que todavía los artistas no utilizaban. Y si ya estamos hablando de estos grandes avances que ayudaron muchísimo a los artistas, uno que fue importantísimo para este momento en el que estamos situados, fue la fotografía, un momento clave para el movimiento impresionista, porque sí, por sí, ya tenían que mostrar la realidad como era, pues ahora buscarían crear, alejándose de eso que siempre les habían pintado y enfocarse en otras cosas, que era el color, las pinceladas. Gracias a todo esto, empiezan a crear sus pies en el exterior. Les ayudaba esto a estudiar esos colores y a identificar cómo cambiaban dependiendo de la posición del sol, la época del año, las nubes. Gracias a todo esto, es que empiezan a crear sus pies en el exterior, ¿por qué? ¿Por qué esto les ayudaba a estudiar los colores, cómo cambiaban dependiendo de la posición del sol, la época del año, las nubes, personas, etc.? Como ejemplo, tenemos a Cloud Monet por decir uno, que fue el que más aplica este estilo para crear, conocido como Plena irismo o Out Plenair, que en francés es aire pleno total, y era así como la luz directa del sol, pudo observar él y plazmar esas pinceladas mucho más libres de todo lo que lo rodeaba. Eso es lo que nos regal estas obras bellísimas y llenas de inspiración que en palabras del mismo moned decía. El motivo es para mí del todo secundario, lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo. Bueno, ahí me dicen si las gustó esta frase que me fascina. A medida de que estamos avanzando en esta línea del tiempo en la que estamos aquí platicando, cada movimiento trae algo más a la mezcla, como un poquito de saborcito y de diferentes procesos creativos. Porque a ver, ¿qué tal el cubismo? Tenemos que hablar de George Bragg de sus aportaciones, su forma tradicional entre comillas de crear, cambió completamente cuando empezó a incorporar caligrafía, números dando origen al colache con distintos materiales. Este nuevo medio empezó a incluir recortes, periódicos revistas, etiquetas de vivias alcoólicas, paquetes de cigarros, papeles colorados, usa todo tipo de objetos que el pintor encontraba y lo siva incorporando al lienzo como si fuera un pigmento más. Según el crítico de Art Eclemen Greenberg, que les recomendó a ver que busquen de Clemen Greenberg porque tienen unas críticas un poco controversial, pero que siempre va en la pena que nos cuestionemos. Pero, bueno, él decía, el colache fue un punto de inflexión importante para la evolución del cubismo y, por lo tanto, un punto de inflexión importante en toda la evolución del arte modernista. Esto iba a traer un sinfín de posibilidades a los artistas, porque ahora el enfoque iba cambiando en el arte. Ya el peso de esa técnica que me choco usaré esa palabra, porque todo el arte tiene técnica por Dios, hasta lo que dicen que ahí, y lo pudo haber hecho un niño también es una técnica. Pero, bueno, esta manera de pintarse iba transformando por lo que hay detrás, que era el concepto. Después de esos horrores de la primera guerra mundial, esto tendría todavía más sentido, porque en medio de toda esa confusión, los artistas empezarían a crear con base en lo que los rodeaba. Y que era eso. El caos. El caos estaba rodeando y reinando todos lados. Aquí es André entra el chat, por supuesto, Marcel Duchamp, que la forma de crear era muy distinta a lo que ya vimos anteriormente. Lo muy distinto al cubismo, muy distinto al impresionismo, y pues, ya no lo mucho más atrás, con cualquier movimiento que se les ocurra. Cuando Duchamp venimos a redefinar el arte, el papel del artista en la creación de éste ya no es sólo una cuestión de técnica y inspiración. Ahora se agrega el proceso creativo de los artistas, incluyendo otro elemento que era el concepto. ¿Qué pasó cuando Duchamp agar objetos cotidianos? Parece algo muy simple, pero qué pasó con todo ese romanticismo de los artistas, de buscar la inspiración o la realidad a través de los paisajes o las historias que los rodeaba? Todo cambió y se vale. En esos momentos, pues, el mundo ya no era el mismo. Las perspectivas de estos artistas modernos, ya no era la misma y sus formas de crearlo reflejaban, porque están directamente ligado al contexto. Al crear ready-made, no hacían más que protestar contra todo aquello que siempre se les había impuesto. Ya nada tenía sentido. El arte de la época retrataba todo esto a la perfección. Y luego llega el dadaismo a propiedad, se también de todo esto. Los artistas con este movimiento ya se sentirían más libres de crear sus obras de acuerdo a sus ideales. Uno que se lo tomó muy en serio y hace poco tuvimos la masterclass de su vida y de su obra fue el mismísimo Salvador Dalí, porque él creaba sus obras a partido este método que llamaba paranoico crítico, donde básicamente él entraba en un modo alucinante sin sustancias, dice, y plasmaba en los lienzos, pues lo que veía en ese viaje casi astral. Si se dan cuenta, gan, cada vez esto va más y más rápido, porque el tiempo entre un movimiento y otro era secuencial. Muchas veces los movimientos y los artistas se encontraban entre sí. Esto es también porque a medida de que progresamos también como sociedad, los artistas responden estos cambios. Me gustaría que habláramos de una artista muy famoso, no solamente por su obra, sino por su proceso creativo y creo que nos va a ayudar a entender mucho más el tema. Y este es Andy Warhol. Aquí ya estamos hablando del pop art que es este resultado de la sociedad de la época, el consumo masivo, el desarrollo económico estadounidense y sobre todo un reflejo de la cultura de la época, todo lo que dejó la segunda guerra mundial. Este contexto es de mis favoritos, en creo que los años 50, si me mueve muchísimo a partir de que empieza el arte contemporáneo, los 60, creo que todo empieza a hacer como un bombardeo de información impresionante, pero me fascina. Pero bueno, en estos épocas es donde se establece esta sociedad entre comidas ideal, porque pues la mujer era ama de casa, el esposo salía a trabajar, los hijos y la familia perfecta, la casa grandísima, hermosa con muebles, todo lo más a la moda y lo más top de la época. Eres esta sociedad tratando de encontrar un ideal que claramente no podían alcanzar, que los medios se los vendían, pero nada más no era posible. En medio de todo esto es que Andy Warhol toma eso de la época y la inspiración de cada uno de los artistas que lo influenciaron e inaugura The Factory, que Warhol volvería a un método creativo similar al taller en la centista, pero en los 60. Acordemos de eso, porque Warhol es muy criticado por tener este The Factory y que muchos artistas o ayudantes le hacían su obra, pero gané esto siempre se ha hecho. Entonces ya se imaginarán como estaba todo decorado en este lugar. Las paredes están cubiertas de pintura plateada, el papel de estaño, espejo rotos, nada era coincidencia, todo estaba friamente calculado porque en las palabras de Warhol le decía, el mundo está en decadencia y el protoglam de los años 60 también. Así que esto lo llevaría todavía más allá porque ni crean que nada más es el arte. En este lugar también se hacían estas fiestas rodeadas de fama, rock n roll, sexo, drogas para que se ven una idea los invitados estaban entre Salvador Dalí, Mick Jagger, Roy Lichensei, una madona que se te ocurra. Era unas fiestas impresionantes. Era un ambiente de libertad artística y según John Keel, que era un miembro de la banda de Bill Beton de Grom, que también guardó el colaboro con ellos, decía, no se llamaba da factory gratuitamente. Ahí era donde se producían en cadena las cereografías de Warhol. Mientras alguien estaba haciendo una cereografía, otra persona estaba rolando una película, cada día ocurría algo nuevo. Esta metodología de André ayuda a elevar su carrera porque ya iba más allá de solamente ser un artista, se convertiría en una celebridad en un emprendedor, ¿no? Y no es para menos porque gracias a este trasfondo de publicidad que él cargó toda su vida, llevó estos conocimientos y los unió en el arte. Esa fue su fórmula ganadora. Así se reemplanteó muchísimos conceptos artísticos y cómo se consumían esos mismos conceptos. Justo aquí estamos frente al inicio del arte contemporáneo. Y si tal vez estás pensando como Kei si roberta, pero pues ya no tenemos esos grandes genios de aquellos tiempos y que si da Vinci, que si monéticos y pues todas estas vanguares que conocemos, yo te quiero preguntar porque seguimos romanticando a estos artistas y sus métodos. Se nos olvidan la época en la que vivieron. Da Vinci no tenía acceso a los libros y los estudios que tenemos hoy el día, tal vez del cuerpo humano, entonces cómo lo estudiaba? En la asistía frecuentemente a sus autopsias, estudiaba también víseras de cerdo para recrear estas venas y arterias y que tal los pigmentos, cómo mezclaban estos minerales, huevos, aceites, otros ingredientes que un olor en el taller que me puedo imaginar. Ya no suena tan romántico cuando lo vemos tan claro. Por mucho que nos encanta imaginar, nos amoné pintando al aire libre, sintiendo así el aire sobre su cara, su barba así flotando. Claro que también tenía sus contrat tiempos y claro que no era sencillo. Ahí estaba el sol al aire libre los insectos. Me imagino que también se manchaba ropa perdiamateriales. No sé, está bien admirar artistas, está bien admirar sus métodos creativos, pero lo que no está bien es por nernos en este papel de jueza juzgar quienes más artistas sólo por tener intenciones más puras entre comillas, ¿verdad? Porque pues que es lo puro entonces. Una artista tiene que sufrir por amor al arte para hacer mejor. Hay muchas preguntas que nos podemos estar haciendo así que quiero que ahorita te tome un tiempo a detenerte que te las sagas y me platicues que tal. ¿Cómo te fue? ¿Cuál fue en tus respuestas que descubriste de todo esto? Recuerden que cuando hablamos de arte no podemos llegar las mismas conclusiones van así simples por ser las más repetidas o tomarlas como verdades absolutas. Ningún método de creaciones mejor que el otro. Todos son distintos y nos ayudan a entender el contexto del artista, de las obras y de la época. Así que al conocerlo solamente enriquece más el arte, no lo empobrece. Eso es todo, mi gente bonita por el día de hoy. Muchas gracias, mi tím secreto por llegar hasta esta parte del episodio. Los quiero, los adoro, gracias, gracias por haber llegado hasta aquí. Los espero en mi maratón de más cerclaces que ya me falta dar bueno ahorita si los escuchan el día que salió el podcast. Creo que nada donde falta la de Frida, Jeff Kuns y Van Gogh. Si alguien se quedó con ganas de tomar alguna cuérdense que pueden comprar la grabación en mi página hablamosalte.com. Si tiene una duda de cuál deberían de tomar que a veces se me acerca gente e diciéndome a roarte, es que me gusta esto que clase me recomiendas. Háganlo con toda confianza a mis días, siempre están abiertos y les puedo recomendar la clase que esté buscando. Así que bueno, les mando un abrazo enorme, les mando un beso y muchas gracias por llegar hasta aquí. Hablamos arte la próxima semana.